當音樂與視覺發生劇烈化反

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  • 作者: 音樂地圖
  • 當音樂與視覺發生劇烈化反

      201908/0205:57

    ◎視覺化音樂的出現,不僅改變了人們只用單感官欣賞音樂的方式,還改變了整個音樂行業。視覺在音樂中的運用如今已經達到了幾乎淋灕極致的程度。從Jay-Z和Beyoncé夫婦為拍攝MV包下巴黎羅浮宮在此取景,到Lady Gaga葛萊美現場致敬David Bowie時,用實感技術和臉部3D投影技術在臉上呈現出變幻莫測的妝容,再到備受好評的第28屆金曲獎的主視覺設計。都在一一表明,視覺在當下的音樂行業依然扮演著重要角色,並且這種影響力不減當年。

    ◎位於北京東大街的Temple是北京最有名的Livehouse和搖滾酒吧之一,也是中國地下音樂的實驗場。週二儘管沒有週末場那麼喧囂嘈雜,但台下的觀眾們仍然翹首期盼著演出的開始。如果你不常去,或許會以為那晚Temple不過是單純舉辦了一場電影的播映會,其實並不盡然,一部來自上世紀的默片正在播映,而在現場,樂隊們則在嘗試根據劇情的走向去配樂。作為引導音樂創作的一種方式,默片不僅能夠很好地配合音樂人將觀眾代入到其想表達的概念當中。因為不會受到版權保護的影響,這意味著,任何人都可以按照自己的意願對這些作品進行「改造」,而與音樂的融合不僅可以讓其自身更具戲劇性。

    ◎在MTV出現之前,音樂行業處在一片蕭條中。80年代初,美國錄製音樂行業的年總營收還只徘徊在56億美元左右,到了1987年,這個數字躥升到了83億美元。可以說,MTV式視覺化音樂的出現,不僅改變了人們只用單感官欣賞音樂的方式,還永遠地改變了整個音樂行業。

    詳細內文:

    去年5月,在《Reputation》世界巡演的首站,演唱歌曲到一半的Taylor Swift突然停下來,向台下的粉絲問道:「你們是不是很想知道為什麼舞台上到處都是蛇呢?」沒等粉絲回應,她接著說道:「因為前段時間,有個人借用蛇的意象攻擊了我,然後在網絡上開始有各種各樣的聲音出來指指點點。我因此低潮了很久,想過自己是否應該放棄這份事業,但這一切就是這樣開始的。」因為這些流言蜚語導致情緒一度極其低落的Taylor Swift,決定反其道而行去擁抱輿論給她的「蛇蠍女人」的人設,便決定乾脆將「與蛇同行」幻化為音樂概念。於是,將悲傷和憤怒化為動力的Taylor Swift,決心將蛇的意象以別緻的視覺方式進行呈現。

    從巡演首站開始,每當她演唱《Look What You Made Me Do》時,舞台後方便會出現一條高達3米的巨型眼鏡蛇,張著的血盆大口像是要把人吞噬。到了演唱《Shake it Off》的時候,另一條散發著光亮的巨蛇又會出現在子舞台,隨著節奏不斷舞動。在東京站,巡演的舞台與道具設計更是讓人眼花繚亂。例如主舞台上的音樂噴泉會隨著音樂高低起伏的躍動。高達5米大型屏幕可以隨時變換,讓Taylor能從任何一個地方出現帶來驚喜,吊在鋼絲上的舞者也在屏幕前優雅舞動,彷彿就在觀賞太陽馬戲團的表演一般。移動到子舞台時,Taylor還會駕乘點綴了燈光的小型移動裝置穿梭在現場燈海中。儘管一開始因為高昂的門票定價不被業界看好,但因為舞美和視覺等方面的驚艷呈現,《Reputation》巡演在所到之處依然受到了歌迷的追捧和媒體的稱讚,而3.457億美元的票房收入也足以證明它的大獲成功。

    事實上,視覺在音樂中的運用如今已經達到了幾乎淋灕極致的程度。從Jay-Z和Beyoncé夫婦為拍攝MV包下巴黎盧浮宮在此取景,到Lady Gaga格萊美現場致敬David Bowie時,用實感技術和臉部3D投影技術在臉上呈現出變幻莫測的妝容,再到備受好評的第28屆金曲獎的主視覺設計。都在一一表明,視覺在當下的音樂行業依然扮演著重要角色,並且這種影響力不減當年。

    位於鼓樓東大街的Temple是北京最有名的Livehouse和搖滾酒吧之一,長久以來也是中國地下音樂的實驗場。6月份的一個星期二,儘管沒有週末場那麼喧囂嘈雜,但台下的觀眾們仍然翹首期盼著演出的開始。片刻之後,伴隨著一束投影儀光線的亮起,和舞台一側牆壁上白色螢幕的落下,觀眾們安靜了下來。如果你不常去,或許會以為那晚Temple不過是單純舉辦了一場電影的播映會,其實並不盡然。接下來的時間,幾支搖滾樂隊的登場引爆了現場,老炮們在收穫聽覺感官震撼的同時,也因為屏幕上鮮活的光影而受到視覺上的衝擊。彼時在屏幕上,一部來自上世紀的默片正在播映,而在現場,樂隊們則在嘗試根據劇情的走向去配樂。

    為默片在現場配樂不是今天才有的東西,早在1895年,盧米埃兄弟在巴黎公開播映電影時,就請來了吉他手為影片在現場配樂。作為必不可少的組成部分,音樂的加入不僅有助於營造氛圍,還能為觀眾提供重要的情緒線索。也因為類似的原因,音樂人有時會在演出時播放電影。因為是以即興的方式去伴奏,所以這其實非常考驗樂隊成員們的功底和默契度。對於音樂人們來說,演奏時不僅要考慮影片的劇情、畫面和角色的心理活動,更主要的,他們得考慮觀眾能否通過自己的音樂去融入到劇情中,因而容錯率有限。

    對於Temple,「視聽之夜」是其音樂人孵化項目的一部分。自今年2月開始,它每個月會不定時舉辦一次這樣的活動,邀請一些樂隊在無聲影片播放的同時即興進行伴奏。「通過電影音樂節和視聽之夜這樣的活動,我們能為樂隊們創造出一種特殊的環境,讓他們在這種環境下自由地進行創作和逼到。」Temple的演出預定經理馬勺告訴小鹿角日報,電影音樂節也遵守著相似的準則,它會通過限制參演樂隊的時間和預算的手段,讓他們能夠根據一種特定的主題去創作音樂作品。作為引導音樂創作的一種方式,默片不僅能夠很好地配合音樂人將觀眾代入到其想表達的概念當中。因為不會受到版權保護的影響,這意味著任何人都可以按照自己的意願對這些作品進行「改造」,而與音樂的融合不僅可以讓其自身更具戲劇性。更重要的是,它為音樂人表達自己的作品提供了一個更加開闊的角度,讓他們在發揮創意、自由創作的過程中,無需擔心陷入到任何法律問題當中。這對藝術的創作和表達無疑是有助推作用的。

    2017年的時候,三里屯的CHAO也完成過這樣一場跨界演出。作為那年北京國際電影節展映單元特展「沈默之聲」的組成部分,作為受邀樂隊的吹萬樂隊,就曾為默片《一串珍珠》進行了現場配樂。「沈默之聲(Sound of Silence)」是怒瀾電影公司創立的系列展映,與中國電影資料館合作,從其修復的眾多二、三十年代膠片默片中挑選了15部影片,邀請各個國家、不同風格的音樂人進行配樂和現場演出。《一串珍珠》是上海長城畫片公司於1926年製作的一部電影,改編自莫泊桑的《項鍊》。作為一部現實主義故事片,複雜的劇情對作為實驗迷幻搖滾樂隊的吹萬來說,著實是一個不小的挑戰,而且因為沒有任何對白,因而想去吃透影片的敘事方式更是難上加難。在這種截然不同的衝擊感和對比下,要讓觀眾做到全神貫注也幾乎毫無可能性,但當天的演出不僅讓很多觀眾感嘆連連,連樂隊成員們也感觸頗多。此前,在接受Vice採訪時,吹萬成員劉心宇就說,這次的演出要比他們平時普通的演出難很多。「平時我們做音樂就只考慮音樂,這次要考慮劇情、畫面、人物心理活動......要考慮太多太多東西了。」但他也表示,這次嘗試讓他們四人間更具默契了。閆玉龍也說,因為這次活動,他們也因此在演奏和配合之外,開始思考更多關於影像和音樂的關係。

    Temple選擇以無聲紀錄片的形式激發樂隊的創作能力。以邪典紀錄片《Häxan》為例,這部誕生於1922年的瑞典無聲影片是紀錄片和小說的結合體,用4個部分探索了巫術、撒旦和惡魔學說的歷史,在敘事的過程中展示許多獵巫相關插圖。馬勺認為,對於樂隊來說,紀錄片這種線性的敘事方式能更好地推進音樂人講故事的效率。「在這種環境下,音樂人不用一直將精力放在屏幕上,你會有更多的空間去思考、去探索不同的音樂想法和創意。」和CHAO兩年前的組織方式有些不同,吹萬在為《一串珍珠》現場配樂時其實預先已有過排練。在Temple,參加挑戰的樂隊們完全沒有參與前期的準備過程中,因此沒有任何機會進行準備。和現場觀眾一樣,他們很多人也是頭一次觀看這些影片,因此要在觀看時同步進行創作,而這種箭在弦上的氛圍不僅讓成員們時刻緊繃著,也讓觀眾們暗捏一把汗。

    「對北京的樂隊來說,這樣的機會其實很難得,因為這和他們平常的排練或演出很不同,需要找到其他解決方式去溝通與合作。」馬勺對小鹿角日報表示,對很多樂隊來說,這既可能是激動人心的機會,卻也可能是考驗成員關係的艱難一課。「很多樂隊會利用這次機會去拓寬他們在音樂上的眼界,做一些從來沒做過的東西。其他樂隊也許會專注在主題和旋律等方面的拓展上,還有一些覺得做跨界即興演出很好玩就答應來了。」事實上,Temple一開始做「視聽之夜」的目的只是為了尋找合適的樂隊來場地演出,但進行到後來,這個項目更希望能幫助本土獨立音樂社區發展得更好。「我們想通過這種方式去探討一些在行業內經常會被忽視的事情,因為像借助默片激勵樂隊去創作的這種操作,不但有趣而且非常重要。」

    如果你看了第30屆金曲獎,應該對它今年的形象影片有些印象。金曲獎30以「I SEE MUSIC」為視覺概念主軸,重新解構了音樂人從開始做音樂、到獲得金曲獎的澎湃心路歷程,由顏伯駿、陳建騏、陳青琳和短波組影像及好多聲音共同打造。在耗時製作的3D動畫方面,本屆金曲獎以圓球象徵音樂人的自我修煉,他奮力向上,與外界接觸後碰撞翻轉,沿著前進的軌道成長,吸收各種能量,激蕩出火花後形成小宇宙,最後登入音樂聖殿,並綻放出萬丈光芒。

    作為本屆形象視覺統籌的顏伯駿,其實已是連續第3年加入到金曲獎的視覺創意部分。此前的兩屆金曲獎視覺,也都由他操刀。第28屆的金曲獎尤為特殊,因為那一屆開放了數字音樂的報名,無論對金曲獎本身還是整個華語音樂行業來說,都意味著新時代的來臨。時逢頒獎禮的改革,顏伯駿的加入等於是給步入而立之年的GMA注入了一針興奮劑,而他選擇以服裝與人的關係為暗喻,表達音樂與載體的關係,並透過載體的視覺特點,結合造型與攝影作為表現形式,傳遞出「載具萬變,音樂永存」的核心概念。「無論音樂載體如何演化,音樂的本質才是靈魂核心。」讓模特兒穿戴著蒐羅自各國的服飾配件,以材質樣式突顯載具特色,巧思象徵黑膠、磁帶、CD、流媒體以及未來的5款音樂載體的意象構圖,孕育為第28屆金曲獎的主視覺。因為操刀第28屆金曲獎主視覺概念,顏伯駿也因此榮獲德國紅點設計獎和台灣金點設計獎。

    畢業於輔仁大學應用美術系及實踐時尚與媒體設計研究所,顏伯駿的涉獵範圍和設計類型十分廣泛。除了金曲獎外,他從事更多的,其實是華語唱片的裝幀設計。蔡依林的 《怪美的》、《呸》和《Muse》,以及蔡健雅的《失語者》和王若琳的《HAM》,都由他操刀設計。顏伯駿認為,音樂是很抽象的東西,視覺設計呈現的是歌手內在的思維,並將它圖像化的過程,非常需要分析的技巧。「跟音樂人從事各種合作,我不會只聽他的音樂,也會研究新聞相關資料,判斷他的消費族群如何思考他,這次要如何釋放其他的東西,以及他的音樂到底想說的話是什麼樣貌?分析完之後去轉化成視覺。」

    以蔡依林和蔡健雅為例,因為兩人屬於不同類型,所以設計也大相徑庭。為此,他給蔡依林的唱片做設計時,會用到現下最時髦的方式,走前衛時尚路線,最流行的佈局跟顏色;蔡健雅則更具文青感,像《失語者》就用一張描圖紙將文字拆開來分成兩個部分,一半印在描圖紙上,一半印在下面。但根據他的說法,無論是蔡依林還是蔡健雅,都是目的性很強的主流歌手,而這些主流歌手都具備一種產業的標準模式,都會有一些公式存在。獨立音樂人EASY SHEN(沈簡單),則是顏伯駿合作過的另一種「非典型的歌手」。

    作為台灣知名的獨立音樂人,EASY SHEN至今發佈的3張專輯都受到了好評:2012年12月的首張個人專輯《預言》,以末日題材暗喻人類在科技逐漸發達的世界裡,抗拒異化的種種過程及面相。這張專輯獲得了Freshmusic的最佳新人獎。2015年5月,他又以佛教中「無我」的概念譜寫出了人生百態,發佈概念專輯《如果身體全部開放了》,入圍第6屆金音創作獎最佳創作歌手和最佳風格類型專輯兩項大獎。2016年11月,EASY SHEN發行的第3張概念專輯《如果時間流轉我們依然》,延續前作討論的議題,以「無常」為主旨貫穿整張作品,獲得KKBOX、Freshmusic等音樂網綜評選的年度十大專輯,誠品還將其評為2016年年度獨立音樂冠軍。也是這張專輯,讓EASY拿下了第8屆金音創作獎最佳創作歌手。

    顏伯駿和EASY是多年的好友,實際上他也始終參與了EASY唱片視覺上的工作,從首專到第三張專輯都是如此。兩個月前,在北京的一場線下分享會,顏伯駿談到與EASY和主流歌手合作的區別時就說,比起目的性較強的主流歌手來說,EASY SHEN的東西更多是一種對人生的看法、哲學性的看法。比起主流歌手們直切主題的設計過程,EASY和顏伯駿在專輯封面的視覺設計上,懷有一種更加包容的態度。「大部分的歌手都有很強烈的表現慾望。通常我們在跟歌手合作的時候,他們一坐下來就不斷告訴你說,我要傳達什麼,要傳遞什麼東西。所以相對來說,我會努力地把他要傳達的東西傳達出去。對於EASY,他接受我們去透過他這個載體,去傳達我們也想傳達的東西,所以這其實是一個共創的過程。」顏伯駿對小鹿角日報表示。

    創作《如果身體全部開放了》時,EASY想借此探討生命的意義,並用「將身體都開放」去表達「無我」,進一步去傳達他的音樂理念。在視覺上,顏伯駿則決定用解剖學圖像的方式去呈現這樣一種理論。為此,在專輯設計的呈現上,顏伯駿將整張唱片模擬成了一個人的樣子。解構為每部分的話,它的專輯封面其實是人頭,紙本就像是人的軀乾,裡面的CD則是人的心臟,歌詞文字就像人的血液一樣。「當大家閱讀的時候,從頭開始翻,可以一次翻開身體,之後會轉到胸腔,然後原標裡面就是心臟。這樣一層一層解開的過程,也呼應了專輯名稱《如果身體全部開放了》。」這張專輯也讓顏伯駿收穫了首個唱片裝幀設計獎,贏得第十六屆華語音樂傳媒大獎最佳專輯設計。

    在為《預言》的設計中,他又採用了另一種不同的解構方式。除了封面人物身上那一襲極具賽博朋克的夾克,顏伯駿其實還將《預言》的歌詞本做成了一本護照,並將EASY假設為了一個來自未來的人,裡面有他的照片(寫真)和歌詞。因此,對於樂迷來說,裡面的歌詞則是來自於未來的預言。而這不僅省去了去用單首歌去詮釋主題的繁冗,同時也能恰當呼應專輯要表達的概念。到了《如果時間流轉我們依然》這張專輯的時候,顏伯駿在主題上繼續同步EASY的想法,但加入了自己本身對這件事情的更多觀察和解讀。他說,人生在世,從出生到死亡,當我們以宏觀的視角去看整個世界的時候,它其實就是一個不斷重復變化的過程。

    延續EASY在佛教「無常、無我和涅槃」上的理論,顏伯駿在設計這張唱片的封面時選用了佛教的光環元素,但因為又不想讓它看起來過於「無欲無求」,他加入很螢光的色彩。「讓它看起來很Pop、很流行,但它的內容卻在講一種很佛學的觀點,而我想要玩弄的其實就是很衝突的一件事。」顏伯駿認為,設計的核心還是以溝通和傳達為目的的,但因為音樂是一個很抽象的產品,而且因為跟人有關,要將音樂跟人用設計的方法傳遞出來,考驗的其實還是設計師更強的抽象感知能力。「作為音樂人則應該用一種更開放的心態去接受設計師,理解對方在他的專業裡感受到的維度,他對於你作品的理解始終持一種開放的態度。」他說道。

    列車呼嘯而過駛入隧道,昏昏沈沈的乘客伴隨著焦慮與疲憊睡死過去。一名梳著發髻的男人偷偷地瞅了一眼車廂另一頭的女人,隨即轉過頭去。女人的目光落在這個偷看她的男人身上,卻也立刻抽走。這樣一來一往數次錯開眼神後,列車到站,女人終於要消失在男人的視線里時,他終於鼓起勇氣,沿著人群的方向去努力追上她。上月底,為了給個人新專輯《ANIMA》造勢,Radiohead主唱Thom Yorke聯合流媒體視頻服務Netflix,打造了一部探索當代人孤獨、夢境和潛意識的同名音樂視覺短片《ANIMA》。在這支15分鐘的短片中,Yorke用了一種極具表現力的方式,用動態視聽敘事的手法,將男人和女人之間的這種親密和焦慮恰當地傳達了出來。值得一提的是,扮演女主角的演員,正是Thom Yorke現實生活中的女友、意大利演員Dajana Roncione。

    為了營造更多噱頭,《ANIMA》還設計了一套多媒體藝術裝置,並在倫敦的地鐵中投放相關廣告。在廣告中,Thom Yorke為觀眾提供一個名為「Anima Technologies公司」的電話號碼,這家公司聲稱可以用一種叫「夢境相機」的東西找到人們丟失的夢。撥打這個號碼時,你會聽到一條奧威爾式「非法活動」的語音信息,之後將聽到《ANIMA》這張專輯中的單曲「Not the News」,以及一些貌似是對倫敦地標的神秘影射內容。無論是在個人名義的作品中,抑或身為Radiohead成員的作品中,Thom Yorke都非常擅長聲音與視覺的跨界融合。例如,Radiohead就曾3次與知名電影導演Paul Thomas Anderson合作,為樂隊的音樂作品拍攝視覺短片。2016年的《Daydreaming》MV,還以35毫米膠片的規格在線下電影院進行了播映。

    在個人作品的跨界合作方面,他手上的案例也是不勝枚舉,其中與荷蘭視聽藝術家Tarik Barri的合作,不僅在影像方面為Yorke的作品注入更多層次的豐富視角,還為他的現場演出增添了更加多元、多維度的感官。Tarik認為,聲音為視覺效果的展示提供了一種語境,反過來,視覺亦支持聲音在現場演出中的表達。《ANIMA》短片中的編舞靈感來自Yorke與Damien Jalet去年合作的電影《Suspiria》;而掌鏡攝影師、《七宗罪》的攝影指導Darius Khondji,則選擇通過對Thom Yorke反烏托邦式夢境的呈現,去營造一場超現實主義的音樂旅程。在短片中,導演Paul T. Anderson還從Yorke的舞蹈中提取出默片的肉體性,以此致敬上世紀知名的美國默片演員Buster Keaton。

    借助視覺手段去更綜合地表達音樂的創作概念,可以追溯至80年代的MTV時期。當時,因為將音樂、視覺元素、流行文化偶像以及電視的社會會效應巧妙融為一體,MTV一經上線便迅速成為一種非常有效的廣告媒介,而在對流行音樂展示的這一過程中,不僅刺激了觀眾對音樂人CD和相關周邊的購買欲,還推動了那些在音樂視頻中出現的推介產品的銷量。MTV於1981年上線,在它誕生的第7個年頭時,已經有94%的音樂人會在新唱片發佈時順便拍攝一支音樂短片。隨著它訂閱用戶的增加—7年間從10萬暴漲至4000萬,不只令其年收入暴增,對當代電影、時尚和電台行業也都產生了巨大影響。

    雖然搖滾樂迷們對MTV的出現持消極態度,他們認為將歌詞和它要傳達的信息轉化成視頻形式,可能會剝奪音樂作品留給自己的想象空間。但在借助「視覺之手」的表現方式後,搖滾音樂在大眾中間的接受度更高了。一些評論家甚至認為,MTV的出現讓即便是更喧鬧的重金屬樂,也感覺沒那麼咄咄逼人了。在MTV出現之前,音樂行業處在一片蕭條中。80年代初,美國錄制音樂行業的年總營收還只徘徊在56億美元左右,到了1987年,這個數字躥升到了83億美元。可以說,MTV式視覺化音樂的出現,不僅改變了人們只用單感官欣賞音樂的方式,還永遠地改變了整個音樂行業。

     

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